「密集」は、ニューヨーク映画祭の完全なラインナップの両方を説明する唯一の適切な形容詞かもしれません。これは、新しい声と古いメストロ、復元されたクラシック、芸術家の議論、実験プログラム、ショートフィルムの群れを網羅しています。ウェスアンダーソンの最新映画、フランスの派遣、同名の毎週の問題の視覚的なレクリエーション、それ自体がニューヨーカー。
アンダーソンは、雑誌とその創設者であるアーサー・ハウツァー・ジュニア（ビル・マレー）のアメリカの起源を説明する最初の瞬間から聴衆を深遠に沈めます。構造的には、フィルムが展開しますニューヨーカー- 3つの自己完結型の物語（またはジャーナリスティックな用語で「ストーリー」）と出版物の架空の本拠地であるEnnui-Sur-Blaséのシーンレポートを下すためのセクション見出し。俳優は、アンダーソンが視覚的なパンチラインを提供するのと同じ速い速度で博覧会を提供します。対称的な構成は明らかに豊富にありますが、誰もが彼らに夢中になったり悩まされたりするのに十分な長さの長さはめったにありません。 （アンダーソンは、過去10年間で頻繁にハンドヘルドカメラを採用していることは注目に値します。）膨大な数のキャラクターやシーンやインシデントは、最も気配りのある視聴者でさえ、めまいがしてスタイルに酔ったことさえ残します。
アンダーソンは、彼の特定のフレーバーに無関心な人々にパンダリングすることに特に興味を持っていませんでした。それらの用語でさえ、 フランスの派遣ニッチな提案です。もちろん、前述の純粋な集中力がありますが、恥ずかしいこともありますニューヨーカーファンダム（ほとんどのものではないにしても多くフランスの派遣スタッフには実生活がありますニューヨーカーカウンターパート、および少なくとも2つの物語は本物の作品に基づいています）、フランスのニューウェーブへの映画のようなオマージュ（特にゴダードは中国語2番目のセクション）、および高/罰金/フランスの文化のノスタルジックな崇拝。これらはすべて、面白くて悩まされます。彼の感性の素因となる人でさえ、映画は「彼のために」のように見えるかもしれません。
物語とシーンの各レポートは、さまざまな芸術的媒体に「ラブレター」とはスケッチに説明できますが、それらはすべてロマンスのように感じます。最初の物語「The Concrete Masterpiece」は、投獄された画家（Benicio del Toro）に続きます。 2番目の「マニフェストの改訂」は、68年5月にインスパイアされた革命の現場でジャーナリストのルシンダ・クレメント（フランシス・マクドーマンド）を見つけ、主要な学生革命家（ティモテ・シャラメット）と彼の狂気（ライナ・クードリ）の動きを追跡します。 3番目の「警察長官のプライベートダイニングルーム」は、ジェームズボールドウィン風の作家であるローバックライト（ジェフリーライト）による料理の報告書の形をとっています。 Commissaire（Mathieu Amalric）の場合、それは後者の幼い息子がunder界のギャングに誘nされたときに中断されます。これらすべての物語の一般的な分母は、人、芸術形態、原因、または生きる理由への情熱を再活性化する予期せぬ出来事のいずれかのための熱意です。アンダーソンは、肉体的で言いようのない美しさのために武装解除する真剣さを示しています。セックス、美術、食べ物、そして書かれた言葉はすべて同じですフランスの派遣。
アンダーソンの映画はすべて、あるレベルのコメディですが、フランスの派遣を取る狂った雑誌のアプローチ、それぞれのショットに十分な視力ギャグと視覚的なしゃれを詰め込み、フレームごとの分析を実行する可能性がありますが、それでもすべてを捕まえることはできません。ここでは、学生の革命家が戦争を行う多くの戦場の1つとしてチェスボードを使用する方法、または義務的なサードアクトチェイスが視覚的なスタイリングを採用する方法のように、映画の前提から澱粉の一部を取り除く一般的な愚かさがあります。のニューヨーカー漫画。ありがたいことに、それは決して完全な奇抜さに変わることはありません。それにもかかわらず、アンダーソンは、シーンと場所の間に流動的な遷移を作成し、メランコリックなマックに行き詰まらないように、深刻なトピックを備えた軽いタッチを採用しています。
しかし、すべてのアンダーソン映画の場合と同様に、軽さは欺cept的です。の各セクションフランスの派遣殺人、自殺、戦争の形で流血に関心があります。文字通りの暴力を超えて、失われたアイデアやアーティファクトや人々に対する骨の深い奇妙さがあります。それは偶然ではありませんフランスの派遣雑誌の最終号をカバーしています。最終性は映画全体に浸透します。アンダーソンは、反動的な姿勢に屈することなく過去を受け入れます。彼は、人々に手を差し伸べ、人生または印刷物のいずれかで適切な期限を与えることに焦点を当てることでこれを行います。
創造の過ぎ去った時代に関する別の映画は、監督のトッド・ヘインズから来ています（キャロル、安全）、その新しいドキュメンタリー地下のベルベットルー・リードとジョン・ケールの文化を変える友情とアンディ・ウォーホルとの関係に焦点を当てた、名を冠した実験的なロックバンドの上昇と下降をカバーしています。しかし、ヘインズは調査をバンドやそのメンバーに制限していません。代わりに、彼はニューヨークの60年代のアバンギャルドなシーンをプロファイルするための踏み台としてベルベットの物語を部分的に使用しています。特に、映画製作者のジョナス・メカス（映画が捧げられている）とミニマリストの作曲家ラ・モンテ・ヤングに特に注意を払っています。ドローン音楽は、時代の実験的な芸術に大きな影響を与えました。地下のベルベット「Aシーン」を探ります。これは、流動的で、多様で、激しく反文化的なものでした。
地下のベルベット音楽ドキュメンタリーの典型的な形式を完全に拒否します。代わりに、ヘインズは実験的な伝統を受け入れています：彼はウォーホルの主な視覚的な手がかりを取りますチェルシーガールズスプリットスクリーンを使用することにより、フレームの片側を使用して、ウォーホルの選択を特徴とすることもありますスクリーンテストそして、反対側は、アーカイブ映像またはインスピレーションを受けた素材のいずれかの自由に浮かぶ連想画像を特徴としています。トーキングヘッドのインタビューは、サウンドトラックを頻繁にまたは対立しています。いわば、彼らは床を与えられることはめったにありません。ヘインズは時系列のタイムライン（本質的にはリードの誕生からマックスのカンザスシティのグループとの最後の登場まで）に続きますが、彼は頻繁に工場、ニコの肖像画を描くように脱線します。危険で革新的な芸術運動のハブとしてのヨーク。地下のベルベットウィキペディアの記事ではなく、アメリカの文化で開かれたダムの縮図としてのバンドの映画のような扱いです。
そうは言っても、ヘインズの映画はベルベットのファンにとっては天国からのマンナになります。この映画は時折ハギオグラフィーにふける（この批評家の意見では適切にそうです）が、ヘインズはバンドを文脈に置き、地下でいっぱいのアイデアを具体化する方法を説明することにずっと興味があり、その一部は最終的に主流に侵入しました。 「このバンドをピーク時に説明するために物理学が必要だ」と、ある人は映画の終わり近くに指摘し、地下のベルベットそれがなぜ光と音の限界を受け入れて正義を行うことを採用しているのかを成功裏に実証します。可能であれば、大画面で映画を見てください。そして、彼らに大声で遊ぶように言ってください。